La Viena expresionista de El Tercer Hombre

Nota: Este blog fue publicado antes de recibir por e-mail el ppt sobre El Tercer Hombre

El tercer hombre (1949) es una película de suspenso, visualmente muy estilizada. Se trata de una historia sobre corrupción social, económica, y moral en la Viena deprimida de después de la Segunda Guerra Mundial. Esta película de corte expresionista fue filmada en una ciudad que se veía decadente, rota y dividida en cuatro sectores geopolíticos.
La película, filmada en blanco y negro es uno de los grandes films británicos de la era de la posguerra. Fue votada como la Película Británica número 1 del siglo XX. Fue nominada para 3 premios de la Academia, y obtuvo sólo uno por la cinematografía vívida, atmosférica y temperamental de Robert Krasker. En ella se usaron por primera vez ángulos inclinados, y distorsiones hechas con lente gran angular. Todo esto en medio del ambiente sombrío de la Viena de esos años. Deliberadamente incómodos, estos ángulos reflejan el estado de la ciudad en ruinas y fracturada, dominada por el mercado negro, espías, refugiados, ladrones y poderes extranjeros buscando el poder. Este fue el primer film británica que se filmó totalmente en locación. Viena es uno de sus protagonistas.
He hecho una selección de imágenes de la Viena de la posguerra, y las he comparado con algunas de la película, que con sus planos inclinados enfatizan el ánimo expresionista con el que fue filmada.
Esta es la Viena de la posguerra, captada por las imagenes de la Agencia Getty:



No pude encontrar una foto del niño pequeño, el hijo del velador del edificio donde vivía Harry Lime, pero todos lo recuerdan, no?



Esta fotografía del tranvía de Viena fue tomada el 10 de enero de 1948... podría Harry Lime haber sido atropellado por un tranvía así?

Por otro lado, esta es la visión expresionista de la Viena de El Tercer Hombre, de Carol Reed





www.filmsite.org/thir.htm

A Woman under the Influence. Una película de terror….?

Para la semana de Halloween que acaba de pasar (octubre 2009) El Museo de Arte Moderno de Nueva York, presentó, no sin un dejo de humor negro creo yo, y como un tipo diferente de horror, la película de John Cassavetes, A Woman Under the Influence. Al respecto Gena Rowlands fue entrevistada para Time Out New York, e hizo la siguiente declaración sobre las motivaciones del que fuera su marido para hacer la película: “Su sentir era que el mundo estaba hecho para volver locas a las mujeres”.
¿Qué puede ser más terrorífico que esto? Para mi, la realidad pintada por Cassavetes en la película es todavía más terrorífica que cualquier película de zombies o de personajes fantásticos, ya sean éstos vampiros ( para estar a la moda) o hombres lobo.
Pero tampoco es posible decir que ésta sea sólo una película de terror. ¿De qué habla la película? De las nuevas relaciones familiares que se empiezan a dar en los sesentas, de las relaciones de pareja, de la dificultad de un padre de familia, trabajador de la construcción, para mantener a su familia, del culto a la espontaneidad y lo cotidiano, de las afecciones y del dolor que toda relación conlleva… de ninguna de estas cosas y de todas a la vez. Existe en la situación que se nos presenta una tensión constante. Tensión entre el goce y el deber social. Tensión entre la evasión y la locura. Tensión entre la realidad y los ideales. Todas estas cuestiones que podrían llevar a cualquiera a la locura. La tensión se intensifica en la película gracias a la interrupción de las conversaciones, o de las escenas, tal como sucede en toda casa donde hay niños. Los personajes van como en un péndulo de un lado a otro de la cordura intentando guardar el equilibrio.

Todas estas fueron situaciones con las que se enfrentó la generación de los baby-boomers, la generación que nació justo después de la Segunda Guerra Mundial, y que hoy ocupa los mejores puestos en la sociedad americana, cuenta con los mejores sueldos y conforman la mayor parte de la vida política, cultural, industrial, académico y liderazgo de clase en los Estados Unidos.
A Woman under the influence, es una película que retrata en gran medida la vida familiar y social de su momento, y Mabel y Nick son parte de esa sociedad que se encontró al borde, siempre en la cuerda floja entre la cordura y la locura.

La actuación de Gena Rowlands y la de Peter Falk, me recuerda un poco a la de Irene Azuela y Diego Luna en el Buen Canario. Ella explota los recursos del artes escénica con los movimientos de su cuerpo ( para lo cual se preparó en una escuela especializada en Londres ) y de su cara, tal como lo hace la Rowlands. El personaje de Peter Falk, tal como el de Diego Luna, es más contenido, pero no por eso menos difícil. Siempre está tratando de contener la tormenta que está por estallar. Tendría John Malkovic en la mente a estos personajes de los setentas cuando dibujó los suyos para la puesta en escena en México?

Notas al pie y fuentes:
http://www.criterion.com/current/posts/1283
Una de las contribuciones hechas por la generación Boomer parece ser la expansión de la libertad individual. Los Boomers "a menudo se asocian con el movimiento por los derechos civiles, la causa feminista en la década de 1970, los derechos de los homosexuales, los discapacitados, así como el derecho a la intimidad.
Bill Clinton y George W. Bush son los primeros baby boomers en ocupar la presidencia de Estados Unidos.

Rashomon. La verdad es relativa

Rashomon es una fábula. El hecho de que esté contada en lenguaje cinematográfico nos hace pensar en los recursos que utilizó Kurosawa para contarla. Aquí hago un recuento de algunos:
-Los testigos del asesinato nos lo cuentan, sentados frente a nosotros, como si nosotros, los espectadores, fueramos la autoridad, a quien nunca se le ve en el filme. Con esto nos involucra irremediablemente, no somos sólo espectadores, sino partícipes de la historia y en parte jueces.
-Kurosawa hace constante uso del flashback para contar la historia, y es precisamente ese flashback, que varía en relación a quien cuenta la historia, lo que hace el film.
-El close-up enfatiza lo que esa persona piensa, sus intenciones.
Las cortinillas nos hacen pasar de una escena a otra sin ver el final de la escena anterior.
-Los encuadres. La estética de Rashomon, basada en el espíritu de los filmes avant-garde franceses de los años veinte es lo que me interesa destacar, sobre todo en las muy estudiadas escenas en las que hay un personaje central y otros dos aparecen a los lados de ese personaje, pero en la lejanía, de modo que se ven como dos figuras pequeñitas que, si estuvieran en el mismo plano, semejarían a aquellos de los dos angelitos que susurran al oído del personaje lo que es bueno y lo que es malo.




La fotografia es una obra de arte en si misma y también abundan los encuadres triangulares:




Rashomon es una fábula de la verdad y la mentira, sobre lo bueno y lo malo, en la que nada es lo que parece, la realidad es realtiva, nadie es ni totalmente bueno, ni totalmente malo.

“Kurosawa intentó encontrar el meollo del asunto, el "episo-
dio insólito" en que la psicología humana se mani-
fiesta con toda la fuerza de su singularidad. Porque
detestaba la mediocridad, sus anónimos personajes
desnudan el egoísmo, la frivolidad, la miseria y la
degradación del hombre.”

Por eso digo que Rashomon es una fábula de lo bueno y lo malo, en la que los personajes no son ni totalmente buenos ni totalmente malos. Mas aún, es una fábula de cómo la realidad se vuelve relativa a los ojos de uno mismo, incapaz de verse a si mismo en su total verdad, y que siempre busca “embellecerse”. Kurosawa lo explica él mismo:
“Los seres humanos son incapaces de ser honestos consigo mismos sobre si mismos. No pueden hablar de si mismos sin embellecerse. El script habla de esos seres humanos, los del tipo que no pueden sobrevivir sin mentiras que los hacen sentir que son mejores de lo que realmente son. También muestra la necesidad de mentir aún más allá de la tumba –aún el personaje que muere no puede dejar de mentir cuando habla a través de una médium. El egoísmo es el pecado con el que el ser humano carga desde su nacimiento, y el el más difícil de redimir. Este film es como una extraña imagen que el ego va desenrollando. No se puede entender, porque el corazón humano es imposible de entender. Si nos concentramos en la imposibilidad de entender de verdad la psicología humana y leemos el script una vez más, entenderemos el punto.”

Otras fábulas han sido llevadas también al cine, especialmente las japonesas: El" increíble castillo vagabundo", de Miyazaki es una de ellas. La imaginación de Miyazaki construyó este castillo volador, asi como Kurosawa construyó para su película ese castillo derrumbado que es Rashomon. El mismo cuenta como prácticamente utilizó todo el presupuesto de la película en hacer el set de la puerta/torre/castillo ( el único otro fue el de la pared del juzgado), y que en su imaginación era cada vez más grande. Grande fue como lo consruyó y es asi como queda en la memoria de quienes hemos visto la película.
¿Se imaginan si Miyazake hubiera querido construir el set para su castillo?


http://www.acepilots.com/discussions/
Online Cinematheque. 25 Febrero 2002. http://www.criterion.com/current/posts/196
Rashomon, cuentos de Akutagawa, Introducción.