sábado, 24 de octubre de 2009

Ocho y medio, y los ecos del cine surrealista

Intimista o naturalista pueden ser una mejores palabra para describir el cine de Fellini; sin embargo, es posible encontrar en la fotografía de Ocho y medio, algunos ecos del cine surrealista, protagonizado por Salvador Dalí, Luis Buñuel y Jean Cocteau.
Salvador Dalí sentía una particular atracción por el cine . Éste forma parte de muchas de sus telas: Homenaje al noticiero de la Fox (1929) , Portrait de Harpo Marx (1937), Le piano surréaliste (Hommage aux Marx Brothers) (1937), son algunas. Colaboró en varias películas, con Luis Buñuel y en 1937 viajó a Hollywood. Después de unos años ahí diseñó la escena del sueño onírico para la película Spellbound (1945), una de las primeras películas que abordaban con cierta profundidad del tema del psicoanálisis. Sobre el tema Hitchcock le declaró a Truffaut:
“Cuando llegamos a las secuencias oníricas mi intención era romper totalmente con la tradición de los sueños en el cine, que son casi siempre brumosos y confusos, con la pantalla que tiembla, etc. Pedí a Selznick que se asegurara la colaboración de Salvador Dalí. Selznick aceptó pero estoy seguro de que pensó que yo quería que trabajara Dalí por la publicidad que nos haría. La única razón, sin embargo, era mi voluntad de conseguir sueños muy visuales con rasgos agudos y claros, precisamente en una imagen más clara que la del film. Quería la colaboración de Dalí debido al aspecto agudo de su arquitectura, las largas sombras, el infinito de las distancias, las líneas que convergen en la perspectiva… los rostros sin forma…”


Gianni di Venanzo, fotógrafo de Ocho y medio, talvez se inspiró en estas ideas surrealistas para hacer de las escenas oníricas en el film, imágenes tan claras que casi se confunden con la realidad.
“De una escuela fotográfica naturalista, di Venanzo hace uso de diversas texturas según el tipo de escena para remarcar las diferencias que existen desde guión: los exteriores son muy luminosos con contraste no muy marcado, mientras que en interiores el contraste es muy fuerte, y en los recuerdos las sombras son cada vez más largas.” Sombras largas fue lo que utilizó también Dalí para enfatizar las imágenes que correspondían a los sueños, en ese “constante viaje entre sueños y realidad que le permite hacer análisis metatextuales y personales sobre el mundo”, y en donde los sueños suelen ser más claros que la realidad, como la fotografía de di Venanzo nos indica.
Ocho y medio nos narra los conflictos interiores y obsesiones de Guido, el protagonista, nos hace ver esos conflictos y obsesiones a manera de sueños y de presentaciones de lo inconsciente tan arraigadas en el surrealismo por influencia de las teorías de Freud.



Estos ecos surrealistas, vienen del cine de Dalí y Buñuel, pasan por el cine de Fellini y llegan hasta el de Woody Allen en Stardust Memories y Desmontando a Harry, y hay quien dice que también están en la escena de Pulp Fiction, de Tarantino.


Nine se estrena en los Estados Unidos el próximo 25 de noviembre.
La producción, adaptada de la conocida obra Ocho y medio, de Federico Fellini, está dirigida por Rob Marshall, todo un especialista en el género. Para la producción se rodeó de un plantel de estrellas más que interesante.

Capitaneado por Daniel Day-Lewis (en sustitución de la primera opción que era el actor español Javier Bardem), y secundado por un gran elenco de mujeres en el que se ven nombres como el de Nicoke Kidman, Penélope Cruz, Judi Dench, Marion Cotillard, Kate Hudson y Sophia Loren, entre otras.


El argumento habla de Guido Contini, un famoso dramaturgo que sufre una gran crisis creativa. Para tratar de escapar de ella recurre a todas las mujeres que actualmente están en su vida. Su esposa (interpetada por Marion Cotillard), su amante "favorita" (Penélope Cruz) y su actriz "fetiche" (la siempre correcta australiana Nicole Kidman).

Fuentes:
Carlos Tejeda, Arte en fotogramas, cine realizado por artistas,Ensayos Arte Cátedra,Madrid 2008
Agustín Sánchez Vidal, en Afanes, equívocos y desengaños, incluido en el dossier sobre Dalí y el cine de Avatares de la mirada. Psicopatología de la mirada daliniana: Salvador Dalí se sale de “cuadro”, en Archivos de la Filmoteca, num.8, diciembre 1990-febrero 1991, Filmoteca Generalitat Valenciana, pag. 80, dice que la obra de Dalí estaba impregnada de cualidades cinematográficas: “Tal dimensión cinética fue buscada por él (Dalí) de forma tan consciente que llegó a comparar los mecanismos de asociación de su cerebro con un proyecto de cine”
Francois Truffaut, El cine según Hitchcock, Madrid, Alianza, Col. Cine y comunicación, 1998, pag. 151.
Tomado de la presentación en ppt., para Apreciación Cinematográfica.

viernes, 16 de octubre de 2009

Pickpocket y el arte reflexivo de Bresson


Vista Pickpocket, entendida como una obra ascética, considerada talvez fría, no es posible sino preguntarse: ¿si es fría porqué es entonces tan atractiva? ¿Porqué atrapa al espectador? En respuesta a esta pregunta, y un poco por azar encontré lo que en su momento escribió Susan Sontag sobre el “Estilo espiritual en las películas de Robert Bresson”. En este ensayo, Sontag hace un estudio de las 6 películas que forman la filmografía de Bresson, y las compara con el teatro de Berthold Brecht y con el cine de Jean Cocteau. Analiza varios aspectos de la obra y los señala en cada una de las películas. Por el texto se adivina que Pickpocket no es una de sus favoritas (Le journal de un curè de campagne, lo es). Sin embargo, he extraído lo que dice sobre la película que nos ocupa y lo transcribo a continuación, con algunos comentarios.
“En el cine, el maestro del modo reflexivo es Robert Bresson. El arte reflexivo es un arte que, en efecto, impone al público una cierta disciplina, posponiendo la gratificación fácil. Aun el aburrimiento puede ser un medio legítimo en esta disciplina. Dar preponderancia a lo que en la obra de arte hay de artificio es otro medio. Bresson, al igual que Brecht, busca el distanciamiento. Pero su objetivo, dice Susan Sontag, no está en mantener frías las emociones cálidas de manera que pueda prevalecer la inteligencia. El distanciamiento emocional de las películas de Bresson parece existir por una razón diferente: porque toda identificación en profundidad con los personajes es una impertinencia, una afrenta al misterio de la acción y del corazón humanos. Semejante distanciamiento es fuente de gran fuerza emocional…. La suprema fuente de fuerza emocional en el arte no reside en ningún tema determinado (el significado del confinamiento y la libertad es el tema central en todas las películas de Bresson), por pasional o universal que este fuere. Reside en la forma. El distanciamiento y el retardo de las emociones, a través de la conciencia de la forma, las torna a la larga mucho más fuertes e intensas.”
Bresson es un maestro de la forma
Ingmar Bergmann, maestro del cine ascético, escogió para Persona el camino de la psicología, al contrario de Bresson. Los personajes de ambos directores hablan tan solo con la mirada ( lo cual es absolutamente cierto en el caso de Liv Ullman). Michel le dice al espectador cosas con la mirada también, anticipa las acciones en la narración, sin implicar con ello nada más que el hecho que está a punto de suceder. El espectador no sabe nada de la psicología del personaje a través de esas miradas.
Con respecto al cine de Cocteau, dice: “El drama interior que Bresson intenta describir en sus películas no significa psicología. Las películas de Cocteau pueden ser entendidas como retratos de esa interioridad, que es la verdadera moralidad; lo mismo ocurre con las de Bresson”.
Bresson no intenta dar una lección, simplemente plantea el hecho, los hechos. “Ha elaborado una forma que expresa y se adecúa perfectamente a lo que pretende decir. De hecho, es aquello que quiere decir. Los personajes son lo que son.”
Pickpocket no es complicada, los personajes van reaccionando a impulsos, no es posible identificarse con ellos, sin embargo el distanciamiento entre ellos y el espectador resulta emocionalmente sumamente atractivo.

Curioso es ver como en varias escenas de la película, la expresión de Michel es siempre la misma, no importa en que circunstancia se encuentre.





También por azar, encontré esta fotografía en una galería Flickr llamada Crime and Punishment, en ella podemos ver fotos de delincuentes Australianos fichados por la policía en la primera mitad del siglo XX. Juego de miradas... será casualidad?


Una nota al márgen
Sontag no deja de ver una especie de mácula en Pickpocket. Se refiere al momento en que Michel resume sus dos años en Londres diciendo: “perdí todo mi dinero en juergas y mujeres”, lo cual no es creíble. Y tampoco resulta convincente que durante ese tiempo el bueno de Jacques, amigo de Michel, haya dejado a Jeanne embarazada, dejándolos luego abandonados, a ella y al niño.” El análisis psicológico es superficial. "La falta de verosimilitud psicológica difícilmente constituye una virtud, y los pasajes narrativos citados arriba son, en Pickpocket, máculas".


Bibliografía.
Sontag, Susan, Contra la interpretación y otros ensayos, trd. De Horacio Vázquez Rial, Random House Mondadori, Colección Debolsillo, Barcelona, 2007

jueves, 8 de octubre de 2009


L’atalante, Jean Vigo y Nietzche

Las llamadas primeras vanguardias estuvieron impregnadas por el pensamiento de Nietzche. Muchos artistas se vieron influenciados por el aparente sentido de negación promulgado por el “Dios ha muerto”, pero en realidad se trató de un si, un si a nuevas posibilidades, a nuevas y diferentes formas de hacer y de entender el arte. Se trató de una liberación de los antiguos modos de ver la vida .
“Friedrich Nietzche repercutió en los diferentes campos de la cultura occidental… es importante señalar que su aportación resultó determinante al exaltar y defender modos en los que se podía seguir pensando (y actuando) una vez que los grandes valores de occidente habían sido depuestos… no sólo fue el filósofo que acabó con aquellos valores rectores que él mismo concibió como pobres y como débiles, sino el encargado de proponer, como ya señalara Eugen Fink, una transvaloración ontológica capaz de dar a luz otros modos posibles del Ser. Friedrich Nietzche es el generador de una apertura expansiva en el terreno del conocimiento, la moral o el arte.”
Jean Vigo, al igual que sus amigos y contemporáneos -Duchamp y los surrealistas- lo sabía. L’atalante está impregnada de ese espíritu de liberación de los estereotipos. Los personajes transitan hacia nuevas posibilidades en su existencia, sobre todo el de Juliette… quien se tropieza con el personajes de Pere Jules, quien ha roto los estereotipos ya mucho antes.
Vigo y los otros entendieron que era a través del arte que ese espíritu de liberación podía entenderse mejor. Que la voluntad del hombre y la mujer moderno por abrise nuevos caminos y liberarse de los hasta eso momento recorridos, podía ser expresada a través del cine.
“A partir del arte y como arte la voluntad de poder se vuelve propiamente visible –escribe Heidegger- .Pero la voluntad de poder es el fundamento sobre el que debe asentarse en el futuro toda posición de valores: el principio de la posición de valores es nueva respecto de la que había hasta el momento. Esta estaba dominada por la religión, la moral y la filosofía. Asi pues, si la voluntad de poder tiene en el arte su forma más elevada, la posición de la nueva referencia a la voluntad de poder tiene que partir del arte.”
Con respecto a Jean Vigo y su pensamiento afin a las primers vanguardias,tomo prestado (http://images.google.com/imgres?imgurl=http://1.bp.blogspot.com/_Zd5alkkazmY/SkuJDuDRXyI/AAAAAAAAB9I/5yOZWIehelY/s320/vigo%2Ben%2Bl%27atalante.jpg&imgrefurl=http://laescueladelosdomingos.blogspot.com/2009_07_01_archive.html&usg=__gmUwLL6N6uiBEsOvuShOL9ZAgGc=&h=320&w=214&sz=16&hl=es&start=18&sig2=o9UftHrkfdy7cZcExDszNA&um=1&tbnid=dE1xpM49jApG3M:&tbnh=118&tbnw=79&prev=/images%3Fq%3Dl%2527atalante%2Bvigo%26ndsp%3D18%26hl%3Des%26client%3Dsafari%26rls%3Des-es%26sa%3DN%26um%3D1&ei=w3DOSqSOG9X6tgfCp_H3Aw)
lo siguiente:
La dirección de Jean Vigo aúna las búsquedas formales de las vanguardias con la expresión de las sensaciones en carne viva. L'Atalante se huele, se asfixia uno dentro, se siente el deseo. La cámara se trasforma en una herramienta poética para despertar vívidas impresiones de cuanto registra. Los movimientos de los personajes revelan un descaro y un apetito lúdico que conmueve. Jean Vigo inventa una forma de hacer cine que sólo décadas después se convertirá en marca estilística de otros cineastas. Él sólo pudo crear con urgencia frágiles formas que fijadas en celuloide y atravesada por la luz, mediante la alquimia de la mirada del espectador, despertaran algo muy parecido a la poesía cinematográfica

Bibliografía
Fuentes Feo, Javier, Un contexto heredado, Friedrich Nietzche y el arte del siglo XX, CENDEAC, Centro de Documentación y Estudios Avanzados de Arte Contemporáneo, Murcia, España, 2007

domingo, 4 de octubre de 2009

Persona. El rostro humano




El rostro humano es un gran tema para el cine. Bergman lo sabía y también David Lynch despues que él.
Todo está ahi. Y por eso el close up forma parte tan especial de la narrativa de esta historia, todos los misterios de la personalidad se encuentran ahi, aunque no sepamos descifrarlos. El uso constante del close-up no hace más que enfatizar la profundidad de la narración ahi expuesta.