viernes, 16 de octubre de 2009

Pickpocket y el arte reflexivo de Bresson


Vista Pickpocket, entendida como una obra ascética, considerada talvez fría, no es posible sino preguntarse: ¿si es fría porqué es entonces tan atractiva? ¿Porqué atrapa al espectador? En respuesta a esta pregunta, y un poco por azar encontré lo que en su momento escribió Susan Sontag sobre el “Estilo espiritual en las películas de Robert Bresson”. En este ensayo, Sontag hace un estudio de las 6 películas que forman la filmografía de Bresson, y las compara con el teatro de Berthold Brecht y con el cine de Jean Cocteau. Analiza varios aspectos de la obra y los señala en cada una de las películas. Por el texto se adivina que Pickpocket no es una de sus favoritas (Le journal de un curè de campagne, lo es). Sin embargo, he extraído lo que dice sobre la película que nos ocupa y lo transcribo a continuación, con algunos comentarios.
“En el cine, el maestro del modo reflexivo es Robert Bresson. El arte reflexivo es un arte que, en efecto, impone al público una cierta disciplina, posponiendo la gratificación fácil. Aun el aburrimiento puede ser un medio legítimo en esta disciplina. Dar preponderancia a lo que en la obra de arte hay de artificio es otro medio. Bresson, al igual que Brecht, busca el distanciamiento. Pero su objetivo, dice Susan Sontag, no está en mantener frías las emociones cálidas de manera que pueda prevalecer la inteligencia. El distanciamiento emocional de las películas de Bresson parece existir por una razón diferente: porque toda identificación en profundidad con los personajes es una impertinencia, una afrenta al misterio de la acción y del corazón humanos. Semejante distanciamiento es fuente de gran fuerza emocional…. La suprema fuente de fuerza emocional en el arte no reside en ningún tema determinado (el significado del confinamiento y la libertad es el tema central en todas las películas de Bresson), por pasional o universal que este fuere. Reside en la forma. El distanciamiento y el retardo de las emociones, a través de la conciencia de la forma, las torna a la larga mucho más fuertes e intensas.”
Bresson es un maestro de la forma
Ingmar Bergmann, maestro del cine ascético, escogió para Persona el camino de la psicología, al contrario de Bresson. Los personajes de ambos directores hablan tan solo con la mirada ( lo cual es absolutamente cierto en el caso de Liv Ullman). Michel le dice al espectador cosas con la mirada también, anticipa las acciones en la narración, sin implicar con ello nada más que el hecho que está a punto de suceder. El espectador no sabe nada de la psicología del personaje a través de esas miradas.
Con respecto al cine de Cocteau, dice: “El drama interior que Bresson intenta describir en sus películas no significa psicología. Las películas de Cocteau pueden ser entendidas como retratos de esa interioridad, que es la verdadera moralidad; lo mismo ocurre con las de Bresson”.
Bresson no intenta dar una lección, simplemente plantea el hecho, los hechos. “Ha elaborado una forma que expresa y se adecúa perfectamente a lo que pretende decir. De hecho, es aquello que quiere decir. Los personajes son lo que son.”
Pickpocket no es complicada, los personajes van reaccionando a impulsos, no es posible identificarse con ellos, sin embargo el distanciamiento entre ellos y el espectador resulta emocionalmente sumamente atractivo.

Curioso es ver como en varias escenas de la película, la expresión de Michel es siempre la misma, no importa en que circunstancia se encuentre.





También por azar, encontré esta fotografía en una galería Flickr llamada Crime and Punishment, en ella podemos ver fotos de delincuentes Australianos fichados por la policía en la primera mitad del siglo XX. Juego de miradas... será casualidad?


Una nota al márgen
Sontag no deja de ver una especie de mácula en Pickpocket. Se refiere al momento en que Michel resume sus dos años en Londres diciendo: “perdí todo mi dinero en juergas y mujeres”, lo cual no es creíble. Y tampoco resulta convincente que durante ese tiempo el bueno de Jacques, amigo de Michel, haya dejado a Jeanne embarazada, dejándolos luego abandonados, a ella y al niño.” El análisis psicológico es superficial. "La falta de verosimilitud psicológica difícilmente constituye una virtud, y los pasajes narrativos citados arriba son, en Pickpocket, máculas".


Bibliografía.
Sontag, Susan, Contra la interpretación y otros ensayos, trd. De Horacio Vázquez Rial, Random House Mondadori, Colección Debolsillo, Barcelona, 2007

jueves, 8 de octubre de 2009


L’atalante, Jean Vigo y Nietzche

Las llamadas primeras vanguardias estuvieron impregnadas por el pensamiento de Nietzche. Muchos artistas se vieron influenciados por el aparente sentido de negación promulgado por el “Dios ha muerto”, pero en realidad se trató de un si, un si a nuevas posibilidades, a nuevas y diferentes formas de hacer y de entender el arte. Se trató de una liberación de los antiguos modos de ver la vida .
“Friedrich Nietzche repercutió en los diferentes campos de la cultura occidental… es importante señalar que su aportación resultó determinante al exaltar y defender modos en los que se podía seguir pensando (y actuando) una vez que los grandes valores de occidente habían sido depuestos… no sólo fue el filósofo que acabó con aquellos valores rectores que él mismo concibió como pobres y como débiles, sino el encargado de proponer, como ya señalara Eugen Fink, una transvaloración ontológica capaz de dar a luz otros modos posibles del Ser. Friedrich Nietzche es el generador de una apertura expansiva en el terreno del conocimiento, la moral o el arte.”
Jean Vigo, al igual que sus amigos y contemporáneos -Duchamp y los surrealistas- lo sabía. L’atalante está impregnada de ese espíritu de liberación de los estereotipos. Los personajes transitan hacia nuevas posibilidades en su existencia, sobre todo el de Juliette… quien se tropieza con el personajes de Pere Jules, quien ha roto los estereotipos ya mucho antes.
Vigo y los otros entendieron que era a través del arte que ese espíritu de liberación podía entenderse mejor. Que la voluntad del hombre y la mujer moderno por abrise nuevos caminos y liberarse de los hasta eso momento recorridos, podía ser expresada a través del cine.
“A partir del arte y como arte la voluntad de poder se vuelve propiamente visible –escribe Heidegger- .Pero la voluntad de poder es el fundamento sobre el que debe asentarse en el futuro toda posición de valores: el principio de la posición de valores es nueva respecto de la que había hasta el momento. Esta estaba dominada por la religión, la moral y la filosofía. Asi pues, si la voluntad de poder tiene en el arte su forma más elevada, la posición de la nueva referencia a la voluntad de poder tiene que partir del arte.”
Con respecto a Jean Vigo y su pensamiento afin a las primers vanguardias,tomo prestado (http://images.google.com/imgres?imgurl=http://1.bp.blogspot.com/_Zd5alkkazmY/SkuJDuDRXyI/AAAAAAAAB9I/5yOZWIehelY/s320/vigo%2Ben%2Bl%27atalante.jpg&imgrefurl=http://laescueladelosdomingos.blogspot.com/2009_07_01_archive.html&usg=__gmUwLL6N6uiBEsOvuShOL9ZAgGc=&h=320&w=214&sz=16&hl=es&start=18&sig2=o9UftHrkfdy7cZcExDszNA&um=1&tbnid=dE1xpM49jApG3M:&tbnh=118&tbnw=79&prev=/images%3Fq%3Dl%2527atalante%2Bvigo%26ndsp%3D18%26hl%3Des%26client%3Dsafari%26rls%3Des-es%26sa%3DN%26um%3D1&ei=w3DOSqSOG9X6tgfCp_H3Aw)
lo siguiente:
La dirección de Jean Vigo aúna las búsquedas formales de las vanguardias con la expresión de las sensaciones en carne viva. L'Atalante se huele, se asfixia uno dentro, se siente el deseo. La cámara se trasforma en una herramienta poética para despertar vívidas impresiones de cuanto registra. Los movimientos de los personajes revelan un descaro y un apetito lúdico que conmueve. Jean Vigo inventa una forma de hacer cine que sólo décadas después se convertirá en marca estilística de otros cineastas. Él sólo pudo crear con urgencia frágiles formas que fijadas en celuloide y atravesada por la luz, mediante la alquimia de la mirada del espectador, despertaran algo muy parecido a la poesía cinematográfica

Bibliografía
Fuentes Feo, Javier, Un contexto heredado, Friedrich Nietzche y el arte del siglo XX, CENDEAC, Centro de Documentación y Estudios Avanzados de Arte Contemporáneo, Murcia, España, 2007

domingo, 4 de octubre de 2009

Persona. El rostro humano




El rostro humano es un gran tema para el cine. Bergman lo sabía y también David Lynch despues que él.
Todo está ahi. Y por eso el close up forma parte tan especial de la narrativa de esta historia, todos los misterios de la personalidad se encuentran ahi, aunque no sepamos descifrarlos. El uso constante del close-up no hace más que enfatizar la profundidad de la narración ahi expuesta.

sábado, 26 de septiembre de 2009

A bout de souffle, Godard y el pop art de Warhol

La nueva generación de artistas que resistieron a los cánones sociopolíticos establecidos durante los años cincuenta, conocida como Underground, se caracterizó por su deseo de autoexpresión. El cine era un campo adecuado, audaz y moderno donde verter las preocupaciones individuales, y asi lo hicieron quienes fundaron la revista Cahiers du Cinema y quienes colaboraron luego en ella, los futuros integrantes de la Nouvelle Vague, Jean Luc Godard entre ellos.
Las demás artes se unieron al espíritu contestatario y emergieron movimientos artísticos e innovadoras manifestaciones: una de ellas fue el Pop Art, con Andy Warhol y Robert Rauschenberg a la cabeza.
“Los nuevos conceptos plásticos influyeron notablemente en la evolución del cine, principalmente en el experimental y estimularon el reconocimiento de las posibilidades plásticas del cine.”
Warhol trabajó los conceptos de volumen y repetición despojando a las imágenes de profundidad. Esta especie de aplanamiento de la imagen, da lugar a que la obra muestre sólo la superficie. Este planteamiento estético encuentra resonancia en lo escrito por
Jonas Mekas, uno de los forjadores del término Underground, como sinónimo de paralelo, marginal y clandestino, sobre la película de Godard:“A bout de souffle, muestra sólo la superficie. Muestra sólo las acciones más básicas: las reacciones. No hay pasado, no hay futuro, sólo el presente interesa a Godard”.
Warhol y Godard se encuentran de esa manera y también en la de construcción de imágenes que se vuelven íconos (persona o cosa a la que se le considera símbolo representativo de algo). Como ejemplo pongo las imágenes de Jean Seberg, en comparación con las de Mia Farrow, y de Audrey Hepburn. Godard impuso un estilo y elevó la imagen de Seberg a la de ícono de la moda con su maquillaje, su cabello corto y su blusa a rayas. También lo hizo con Jean Paul Belmondo, para quien tomó como modelo de imágen para ésta película, la de Humphrey Bogart. Las imágenes hablan por si solas. ¿Coincidencias? Lo dudo...


viernes, 18 de septiembre de 2009

Freaks y la estética de lo feo


«No hay excusa para esta película. Su producción ha requerido una mente débil, y su contemplación requiere un estómago fuerte. El motivo por el cual ha sido realizado es ganar dinero» Escritos como éste (extraído de un artículo publicado el 8 de agosto de 1932 en el diario Kansas City Star) se prodigaron en la prensa de la época tras el estreno de Freaks.

No es extraño que "Freaks" haya sido muy mal vista por la crítica de su tiempo. Aunque la deformidad es un drama humano y se repite continuamente a lo largo de la historia, ha tenido que pasar el tiempo para aceptarla en el contexto del arte. Existe una fascinación por lo feo y es, me parece, gracias a la estética de lo Camp, que hoy vemos esta película, como una obra de arte.
“Sontag nos recuerda que la manifestación extrema del gusto camp es la expresión –es bello porque es horrible-“
Por otro lado, lo feo siempre ha estado presente en el arte. Los artistas siempre nos han recordado sobre su existencia. Pese al optimismo de algunos, en el mundo siempre hay algo irreductible y tristemente maligno, que también es muy atractivo.


Detalle del "Cristo llevando la cruz", de El bosco (1510-1535, Gante, Museum voor Schone Kunsten).

Rocker-punk, mayo 1998

Imagenes y referencias tomadas de "Historia de la fealdad", de Umberto Eco.

viernes, 11 de septiembre de 2009

La blancura de Fitzcarraldo





La obsesión por llevar a cabo un sueño es un personaje más en el film. Este personaje está vestido de blanco. No es sólo el traje blanco de Fitz, sino tambien el vestido blanco de Claudia Cardinale, que a pesar de que atraviesa el lodazal desde el puerto hasta su casa, llega sin una mancha. Tambíén lo es el blanco del barco que sube y baja una montaña de lodo sin presentar ni un solo rasguño. Fitzcarraldo pasa meses en la jungla y su traje blanco está impecable, como sus sueños, que no se han hecho menos a pesar de todas las adversidades. Por oposición, los indios son del color de la tierra, se funden en ella casi hasta el punto del mimetismo. Solo el blanco se alza sobre la inmundicia de lo terrenal, para llevar a cabo los más altos ideales.


El uso del color blanco a lo largo del film, es estricto, está reservado para los colonizadores, poseedores de la verdad, portadores del progreso y no para los colonizados que no son más que parte del paisaje que amenaza con impedir que el sueño se realice.

jueves, 3 de septiembre de 2009

Vertigo, una interpretacion del uso del color en el vestuario escénico



Nada en las películas de Hitchcock es casual. Cada escena "es meticulosamente planeada en un storyboard", y se deja poco o nada a la improvisación. Tampoco el uso del color en el vestuario de los personajes es casual.
Siguiendo el método de análisis denominado "actancial" que se puede aplicar al vestuario cinematográfico, un color es asignado a un personaje o grupo de personajes no por lo que dicen o piensan, sino por su hacer. Centra la interpretación en la función del personaje y no en lo que el espectador piensa o infiere. De acuerdo con esto, para el vestuario de Madeleine se reservan los colores neutros, el blanco, negro y gris. Para el vestuario de Judy se reservan los verdes, violetas y lavandas ( el cual también se reserva para el vestido de Carlota Valdés...)El tratamiento del vestuario entre Madeleine y Judy funciona por oposición. Para la primera son los cuellos altos y líneas verticales, para la segunda las líneas curvas y los escotes. Estos códigos, entre otros, como el del color rojo, reservado para representar la locura se mantienen a lo largo de la película, le dan consistencia y contribuyen a su éxito. El detalle cobra importancia y le da sentido a la escena en la que Judy se prueba ropa en los colores reservados para Madeleine, como el traje de color gris, y nos indica el desdoblamiento y transformacion de la personalidad de Judy/Madeleine, impulsada por Scottie.
En Vertigo se observan reglas estables y el control cromatico es estricto. Esto se puede observar en otras peliculas, como Dracula de Bram Stoker, cuyo analisis podemos dejar para otro momento...

Agradezco a Madeline Izquierdo por su fabulosa conferencia sobre vestuario cinematografico
Para mas datos sobre la teoria Actancial ver a Vladimir Propp, Morfología del cuento ( 1928)